Drama francês do gênero policial-suspense, vencedor da Palma de Ouro em Cannes de 2023. Não é um filme popular, tem um andamento bem ao estilo dos filmes escandinavos (aliás, os fatos se passam nas belíssimas paisagens de neve próximas a Grenoble), lento e típico dos chamados “filmes de arte”, mas com um roteiro extremamente denso e bem construído, trazendo uma história que pouco a pouco vai envolvendo e instigando o espectador, pois ao mesmo tempo em que os fatos são investigados e as intimidades reveladas (inclusive em cenas de tribunal), a narrativa vai se construindo com muito mistério, alastrando as dúvidas e principalmente intensificando a grande questão: houve ou não a ocorrência de um crime? Na verdade, o título do filme se refere à anatomia de um fato específico, mas isso também ocorre em relação a um casamento, com todas as decorrências possíveis, pessoais, profissionais e existenciais.  A direção é extremamente lúcida e sensível da excelente Justine Triet e o elenco é todo ótimo – inclusive o menino, interpretado por Milo Machado Grande -, com destaque para a magistral performance da atriz Sandra Hùller, que apresenta um desempenho que também amplia o mistério em torno da verdade dos fatos, criando uma personagem tão humana, quando fascinante e multifacetada. A história envolve um casal de escritores, ela alemã e ele francês, com um filho que sofreu um grave acidente. E assim acompanhamos dores, ressentimentos, dilemas, culpas, cobranças, traições, um redemoinho de fatos e emoções, com reflexos talvez os menos desejados ou previsíveis. O filme participou do Festival Varilux 2023 e tem uma curiosidade quase inacreditável: o singular cachorro da raça Border Collie que participa em muitas cenas do filme (Messi) venceu o “Palm Dog”, que é uma competição não oficial do Festival de Cannes e que premia atuações animais em filmes. Isso à parte, um belíssimo filme e que parece só alcançar sua placidez na cena final, tão singela, quanto significativa. 9,0

Um filme a mais, do Festival do Cinema Italiano no Brasil, 2023. Quem pensar nas temáticas do Neorrealismo Italiano vai identificar este filme, que se passa em 1946 (ano em que os americanos ainda tinham algumas tropas na Itália), em um pós-guerra de renascimento e de muita pobreza. A miséria do povo romano aqui também é mostrada, embora não com tanta ênfase como, por exemplo, em Ladrões de bicicleta, mas com intuito semelhante, embora neste caso o realismo fique bem mais “teatral”, um pouco atenuado pela belíssima fotografia em preto e branco. Mas isso de modo algum desvaloriza este surpreendente e emocionante filme, que em momento algum perde seu propósito e principalmente sua qualidade. Ao contrário, à medida em que vamos acompanhando o roteiro, vamos nos envolvendo com os fatos e com todos os personagens, até que as cenas finais reservam momentos de grande expectativa e emoção e ficamos definitivamente envolvidos e até extasiados com os desdobramentos da história. Excelente a direção de Paola Cortellesi, que também atua, muitíssimo bem, no papel da maravilhosa Délia. Aliás, harmonizando com todos os elementos, o elenco é todo espetacular: Valério Mastandrea (tão bom, que nos deixa permanentemente indignados com seu personagem), Romana Maggiora (bela e forte), Emanuela Fanelli (competente e segura) e outros, inclusive as crianças. Um dos grandes méritos do filme é não transformar a história em drama puro, mas pontificar os instantes sérios com outros de comédia (humor, porém, inteligente, sagaz e irônico), que servem de alívio para a aridez dos temas (a cena do velório é realmente muito engraçada, tanto pela estranha no ambiente, quando nos detalhes da vida real: o mal amado se transformando em santo depois que morre). Os fatos são tão bem retratados, notadamente envolvendo a submissão da mulher, o autoritarismo do marido troglodita e violento, que em muitas cenas sentimos um verdadeiro mal-estar, um desconforto profundo em presenciar coisas tão absurdas (o filme mostra em cores vivas o patriarcado e tangencia outros aspectos relevantes da época, como o salário menor das mulheres mesmo em relação aos homens menos capacitados, a difícil saída para outro rumo que não o de figura decorativa no lar etc). Felizmente – e por bom gosto – a feliz e sensível criatividade substituiu as cenas que seriam mais explícitas da violência doméstica por outros totalmente inusitadas e líricas/nostálgicas (sendo até divertidas), embora não deixem de transmitir a mensagem aguda e correta. São várias lições que se apresentam, até mesmo de que muitas vezes é o opressor quem sofre com sua própria doença, pois o oprimido aprende a ser legitimamente feliz (já que se contenta com que tem e que não raro é o fundamental: filhos, família, um lugar para morar). Há muitos momentos de música, alguns de nostalgia, em um filme que nos transporta por caminhos realistas, mas com a magia da tenacidade simbolizada pela poesia e que na verdade traz alento. A época era de liberdade tolhida e na pessoa da filha se materializa o inconformismo, mas a esperança aparece realmente enclausurada. Um filme inteligente, sensível, que habilmente cria um belo suspense em seus momentos finais, fazendo o espectador passar a torcer pelo destino de personagens determinados, até que tudo culmina em um momento inesperado e que, com a conjugação de imagens, texto e som, nos deixa com real e intensa emoção, passando a constituir certamente a obra-prima da diretora e um dos instantes sublimes do cinema. 9,6

Ah, esses “tradutores de títulos de filmes!! Não poderiam deixar simplesmente o título original “O enterro”, que é o mais apropriado? Têm que tratar o público como idiota e ignorante? Mas deixemos de lado esse pessoal…Este é um drama em tons leves, dirigido pela praticamente desconhecida Maggie Betts, porém com alguns momentos intensos em razão de sua temática (principalmente nos “embates” jurídicos). O roteiro lembra o de diversas produções, portanto não sendo exatamente original. Entretanto, existem alguns diferenciais na história e mesmo nos momentos de tribunal, que nos prendem à história e nos mantêm interessados até o final, quando descobrimos que o enredo se baseia em fatos reais: (atenção: adiante pode ser um “spoiler”) como de costume, com os créditos finais aparecem algumas imagens e o destino das coisas e dos personagens. Esse “spoiler” que não é na verdade um estraga-prazeres na intenção, destina-se apenas a tornar ainda mais saborosa a degustação do filme, antecipando um aspecto que provavelmente já é previamente conhecido de que vai ver o filme. Entretanto, não são somente alguns elementos dessa história algo batida na essência que tornam o filme muito bom: o fato mais relevante é a performance do elenco – e, consequentemente, a direção de atores/atrizes. Tommy Lee Jones faz um papel bem diferente do seu trivial e muito bem (dono de funerárias, eis a razão do título), na verdade pode-se dizer que está impecável. Mas as atrizes que fazem a esposa dele, a esposa do protagonista, alguns advogados, Bill Camp (Loewen) e mesmo um ou outro personagem que participa do filme brevemente, todos formam uma bela harmonia interpretativa. Todavia, ninguém brilha com a intensidade do ator Jamie Foxx, que dá uma aula de interpretação, tendo inclusive grandes chances de ser indicado no Oscar 2024. A atuação dele é realmente memorável. Poderão alguns dizer que ele é “irmão” e, portanto, mais afeito às “lides” afins…para estes, entretanto, recomendo ver outros filmes em que Jamie atua, como “Ray”, “Django livre” e “Colateral”, por exemplo, e comparar os desempenhos, para chegar à conclusão sobre o grande ator de que se trata. Em suma, um filme que vale a pena e que inclusive em alguns momentos pode se tornar imprevisível, acentuando o suspense. Prime Vídeo. 8,8

Mais um filme do Festival do Cinema Italiano no Brasil, de 2023, e com inegável valor artístico. Trata-se aqui, porém, de uma obra não convencional, daquelas que geralmente se enquadram na categoria de filmes “de arte”. Porque embora na verdade seja, no fundo, uma história de amor, o modo de contá-la foge dos padrões habituais, com alguma filosofia, muitas cenas oníricas, na verdade tudo moldado ao gosto e estilo do diretor, que fazendo claras referências ao grande Fellini, transmite sua mensagem fazendo um paralelo entre o “criador” e a “criatura” (com muitos e surpreendentes pontos de contato), isto é, entre a vida real do autor e o filme sobre Casanova que ele está produzindo – para talvez concorrer ao Festival de Veneza. Esse diretor, sensível e competente, é Gabriele Salvatore, que parece só se envolver em projetos originais, desde Mediterrâneo, até as produções mais recentes, como Estranhos normais, Volare, Educação siberiana. E a forma é realmente impregnada de originalidade, como as cenas da fantasia em cores e da realidade em branco e preto, os trajes peculiares dos duelistas, os jornalistas e o sabre de esgrima e muitas outras. Mas também virtude do filme é permitir que com o seu desenrolar seja possível compreendê-lo cada vez mais e então saboreá-lo de uma forma mais intensa. E ele fala sobre o tempo, sobre as gerações que se sucedem, até sobre a tecnologia que substitui os costumes e nem sempre é pacífica, mas principalmente trata de conceitos mutáveis ou não, da constatação do amadurecimento e da própria velhice e suas limitações: mas, sobretudo, do que nunca perecerá. E, a respeito dos efeitos do tempo, ninguém melhor para constatá-los do que um lendário sedutor, já sessentão, Giácomo Casanova! E ninguém melhor para ser protagonista deste filme invulgar do que o grande Tony Servillo (A grande beleza, Loro, A mão de Deus, A garota da névoa). Compõem também o elenco as belas Sara Serraioco e Bianca Panconi, Fabrizio Bentivoglio e Natalino Balasso, entre outros. A cena final é de uma elegância e de uma beleza quase indescritível. 9,0

Este é um drama de 2013 que se passa na Paris do século 19 e narra uma história repleta de drama, suspense, com fatos nada incomuns na história da humanidade, mas desdobramentos inesperados. Baseado em texto do consagrado escritor francês Émile Zola, o roteiro é especialmente valorizado pelo clima construído e que inclui a direção (do pouco conhecido Charlie Stratton), a edição, a fotografia e o desempenho do elenco, principalmente da ótima Elizabeth Olsen (a Feiticeira Escarlate dos filmes Marvel) e da maravilhosa Jessica Lange (que à medida em que foi amadurecendo se tornou uma atriz ainda melhor do que já era em sua juventude). Tom Felton também é muito bom na construção de seu personagem, mas Oscar Isaac muitas vezes aparece apenas como satisfatório. O filme é forte, impactante muitas vezes e basicamente destinado aos adultos, tanto pelos momentos sensuais ou eróticos, quanto pelas cenas que se aproximam até do gênero terror, tal a intensidade dos fatos e o destino dramático dos personagens. O desenvolvimento tem ótimo tratamento e o drama e o suspense são bem equilibrados, havendo apenas uma cena marcante e inclusive questionável em termos de qualidade, que é a do barco: a opção de mostrar os fatos posteriormente e em flash back não foi muito feliz e a cena principal careceu de continuidade e até mesmo de um sentido lógico, especialmente quanto ao local do fato: mas é uma cena ruim em meio a tantas outras muito boas e uma atuação memorável de Jessica Lange, que fazem tudo valer a pena. HBO. 8,8

Este é um filme de 2013 e ao qual assisti em dezembro daquele ano. A resenha que fiz na época, dando-lhe nota 8, foi a seguinte: Comédia romântica com a bela e querida Rachel Mc Adams e o veterano Bill Nighy, que cativa pela simplicidade e pela mensagem que deixa ao findar, utilizando a ficção científica como um mero apoio – embora estratégico – para chegar ao seu ponto vital, o qual é perfeitamente compreendido na parte final do filme, onde ele efetivamente cresce, se agiganta e deixa belas e importantes lições. A direção é de Richard Curtis, o mesmo de Quatro casamentos e um funeral, Um lugar chamado Nothing Hill, Simplesmente amor etc. Hoje vi o filme novamente e com olhos ainda mais generosos. Não sei se mudou minha maneira de ver as coisas, com a maturidade, ou se foi o dia mais inspirado, mas vi no filme atualmente mais qualidades ainda, com algumas que não percebi na época. Porque aparentemente é um filme estilo “comédia romântica leve com toques de drama e fantasia (primordial no enredo)”, porém na realidade é muito mais. O filme tem um conteúdo realmente digno de nota e a partir de certo momento, quando se pensa que vai acabar (e ainda falta mais de meia hora), deriva para rumos absoluta e agradavelmente inesperados e também bastante interessantes, de belíssima textura dramática e apreciável filosofia. Realmente o elenco, que tem, além dos dois citados no texto colado, também uma belíssima Margot Robbie aos 23 anos, Domhnall Gleeson, Tom Hollander e Richard E. Grant, entre outros, bem como o diretor Richad Curtis (que pelo currículo dispensa maiores comentários), têm grande responsabilidade na grandeza do filme, mas o roteiro é especialmente consistente e elevado, contendo diversos subtextos e delicados caminhos principalmente do coração, embora sem perder contato com a realidade. A síntese até poderia ser a de uma proverbial lição de vida e de bem viver. Porque tudo é construído com muita sensibilidade e todos os elementos se conjugam para compor uma linda sinfonia do que é belo e desejável, descortinando muita empatia e emoção, principalmente nas cenas finais. Um dos pequenos tesouros escondidos na Prime. 9,0

O gênero do filme, da forma como ficou conhecido, não é “de suspense”, nem “de terror”: é “filme de Drácula” – e não há como esconder isso, na medida em que todo o apelo em torno do filme já divulga esse fato, inclusive o coloca em evidência na maioria dos posters. Mas aqui a aparência do vampiro não é a que costumamos ver, como por exemplo na famosa série protagonizada pelo inesquecível Christopher Lee. Ou seja, a forma não é a humana e sim mais de acordo com a concepção do original de Bram Stoker, ficando mais próxima de um vampiro mesmo, como um Nosferatu. Um ser de natureza predatória, do mal, sem qualquer verniz, embora, como se sabe, um morto-vivo. O livro Drácula foi publicado em 1897, quando o irlandês Abraham Stoker já era cinquentão (ele morreria 15 anos depois) e este filme se propõe a narrar os acontecimentos de uma parte do livro, precisamente o diário de bordo da viagem da escuna russa Deméter (nome da deusa da agricultura para os gregos), que transportava 50 caixas de madeira (de variados tamanhos) da Romênia para a Inglaterra. O título do filme já dá spoiler, mas na verdade nas primeiras cenas já ficamos sabendo que o navio chegou em destroços ao seu destino. Então, a história se passa inteiramente nessa viagem, em que a par dos dramas da época (1897), algo terrível se ocultava no navio e se manifestaria apenas quando viessem as sombras do escurecer. A maneira como os acontecimentos são narrados e principalmente todos os efeitos especiais, de som (leia-se qualidade do som e trilha sonora) e imagens (movimentos e ângulos de câmera, névoas) – ótima fotografia incluída -, criam um ótimo clima de muito suspense, com mistério e sustos e vísceras/sangue, típicos desse gênero de filme mas em um ambiente bastante diferente do habitual, o que torna tudo de certa forma bastante original. Para os fãs, imperdível. Para quem apenas aprecia o gênero, um bom divertimento e com momentos bem especiais que recomendam se assistir ao filme sozinho e sem distrações (inclusive de luzes): o que alguns devem considerar um grande desafio. 8,7