Quem viu o filme PK na Netflix (de 2014) e ficou encantado com o cinema indiano e com a atriz Anushka Sharma, aqui também poderá ser arrebatado por ela e pelo ritmo contagiante do filme, repleto de cores, movimento e romantismo. Na verdade, tem o mesmo apelo das telenovelas, só que muito melhor, porque superior em todos os aspectos: há o chamado “dramalhão”, só que aqui cercado de ritmo, de talento dramático, de músicas e de um colorido daqueles bem típicos do cinema indiano que acende o ânimo de quem assiste a ele, tornando tudo uma bela diversão, impregnada de romance, mas também de sensibilidade e lições filosóficas e de vida, como os orientais são hábeis em transmitir. Anushka tinha 20 anos quando protagonizou este filme em 2008 e a partir dele começou a alcançar a fama de que desfruta atualmente, sendo uma das atrizes mais bem pagas da Índia. Aqui ela contracena simplesmente com um dos artistas mais famosos do cinema indiano, protagonista de mais de 70 filmes: o excelente Shahrukh Khan, conhecido como Grande Khan, o Rei de Bollywood. O filme explora um tema já batido, portanto não tendo um roteiro original. Entretanto, isso é o que está escrito, porque na prática, ou seja, a forma pela qual a história já conhecida é recontada é um deleite para os sentidos: ação, naturalidade nas performances, competência de todo o elenco e do diretor Aditya Chopra, muita música e dança, ritmo incessante, tudo formando algo extremamente atraente e divertido, leve e descompromissado, alimento para o coração por falar de amor e ideal para quem se propõe a se emocionar sem amarras e se jogar no entretenimento sem rede de proteção. Prime Vídeo. 8,5

Durante algum tempo de projeção sentimos estar diante de um filme daqueles típicos para adolescentes, em grande parte bobinho, água-com-açúcar, muito embora tenha uma outra faceta interessante, incluindo as atuações (principalmente da inglesa Emilia Jones, de Coda, que também é cantora na vida profissional) e a direção (da americana Susanna Fogel); além de uma ou outra pitada de mistério. Entretanto, o filme surpreende com o mérito da imprevisibilidade. Porque repentinamente vemos o gênero “drama leve com comédia” se transformar em “suspense, com alguns momentos de quase terror”. Essa mudança é realmente algo que nos apanha de surpresa e a seriedade que se instala quebra totalmente as expectativas. E então passamos a ficar no vazio quanto aos desdobramentos que haverá.  Esse aspecto do filme o retira do lugar comum e o transforma em uma diversão algo original e que garante a satisfação do espectador: que no final das contas, entre pontos negativos e positivos, acaba ficando com estes últimos e sai recompensado do cinema. Também atua no filme, como rosto mais conhecido, Nicholas Braun, que fez o papel de Greg na série Sucessão. Nada especialmente memorável na verdade, mas até que bem divertido. 8,0

Um caprichado e invulgar trabalho cinematográfico e que tem como uma das virtudes a de, em muitos momentos, parecer um documentário, tal o realismo das cenas e a excelência da direção/edição e das performances de todo o elenco, comandado por esse extraordinário ator chamado Seydou Sarr. Fora a fotografia e a produção toda (incluída a bela trilha sonora), que praticamente retrata um drama épico de aventuras, que começa no Senegal e percorre vastas regiões, incluindo o deserto do Saara. Não sem razão, o filme está entre os cinco concorrentes ao Oscar 2024 de Melhor filme em língua estrangeira. O diretor é Matteo Garrone, que também é um dos roteiristas (igualmente tendo elaborado o roteiro de outros filmes, como Pinóquio). Um filme emocionante, extremamente bem feito, com cenas bem realistas e que mostram uma jornada de coragem e sobrevivência/superação, certamente com perdas, deixando escarrado que o mundo decididamente não é nada cor de rosa e que há um preço a pagar quando se ousa. Uma história contada com sensibilidade e firmeza, por quem tem habilidade e competência e que mostra a lealdade, a amizade, a generosidade pulsando nas mais precárias condições, uma odisseia repleta de perigos, mas também de humanidade. Na parte final do filme entendemos a razão do título e é o momento reservado às maiores emoções. Entre outros prêmios e eventos, concorreu ao Leão de Ouro em Veneza, ganhando o Leão de prata pela direção e o prêmio Marcello Mastroianni pela atuação magnifíca de Seydou Sarr. 9,0

O primeiro filme, também baseado no livro de Alice Walker e dirigido por Steven Spielberg, fez um grande sucesso no ano 1985 e recebeu 11 indicações para o Oscar de 1986, caprichosamente não ganhando nenhum deles. Esta produção de 2023 é um remake, mas sob a forma de musical, dirigido por Blitz Bazawule e curiosamente tendo como um dos produtores o mesmo Spielberg (além de Oprah Winfrey e Quincy Jones, entre outros). Não perdeu seu vigor e sua poesia, embora boa parte seja triste e dolorida, mesmo em meio a uma bela paisagem de flores púrpuras. Mas é basicamente a mesma história, embora, neste caso, da metade em diante o drama atinja níveis mais intensos e com isso propicie efetivamente sensíveis emoções, com pelo menos um grande número musical (na inauguração do bar do Harpo, com a festejada Shug Avery). E todo o elenco apresenta grandes performances, notadamente Colman Domingo no papel de Mister e Danielle Brooks como Sofia: ele foi um dos indicados ao Oscar 2024 na categoria de Melhor ator, mas não por este filme (e sim por Rustin); ela, por este filme, foi indicada a Melhor atriz coadjuvante. A história é a mesma do filme anterior, vale dizer, repleta de momentos doídos, relacionados com condutas violentas, opressoras, preconceituosas e principalmente machistas, além de separações, saudades, injustiças. Frutos de uma época e dos costumes locais, alguns desses fatos são verdadeiros absurdos, mas têm sua força insana absorvida pela impotência das vítimas, basicamente mulheres negras. Entretanto, existe mesmo lá alguma luz e que acaba iluminando momentos importantes do filme, inclusive enaltecida pela trilha musical. Por fim, durante os créditos finais vale a pena admirar os belíssimos bordados, que reproduzem momentos do filme. E se recomenda, notadamente pela parte final do filme, o uso de lenços, como forma de resgatar um pouco a dignidade. 8,9

O

Os filmes do diretor Hirokazu Kore-eda são singulares: possuem muita humanidade, são extremamente bem feitos em todos os sentidos, apresentam ângulos originais de situações comuns, belos momentos de pessoas e de situações e também surpresas em seu roteiro, que inicia na mansidão mas posteriormente a subverte. Talvez para questionar o que é, afinal, a felicidade e o que é certo e o que é errado neste mundo. No caso, o tema é como o próprio nome indica: familiar. Trata-se de uma família pobre, numerosa inclusive considerando limitado espaço e parte dela trabalha fora – em atividades moralmente questionáveis – para sustentar o todo. Família que inesperadamente vai aumentar. E eis o foco principal da história! Que envolve o jogo da sobrevivência ou da própria educação ou mesmo do sistema imposto. E também resgata a milenar questão: mãe é quem gera ou quem cria? O fato é que mesmo nas condições precárias de subsistência assim todos lutam, se adaptam e os sinais evidentes são de união, amor, amizade e afeto. Mas, como já dito, a estabilidade não dura para sempre e tempestades haverá, para exigir talvez desse núcleo aparentemente sólido a resposta social desejada. E provocar abalos inesperados. Kore-eda mostra a afetividade familiar e a educação caseira (que substitui, com justificativa apresentada, a escolar) em pequenos e até líricos detalhes e a questão é a percepção dessa realidade diante do que a sociedade espera, mas, por outro lado, do que esse modo de viver propicia a todos, sob o ponto de vista de benefícios, de crescimento, formação, visão ampla das coisas. Meios inadequados mas para um fim maior? É um filme bonito, comovente, profundo e bem realizado, com muito coração e conhecimento de causa. Entretanto, embora todo esse mérito, ele parece fugir do perfil daqueles que usualmente são premiados em Cannes, sendo, de certa forma, surpreendente ter ganho a Palma de Ouro em 2018. 8,7

Todd Haynes é um perfeccionista na direção de filmes, bem como de atores e atrizes, sendo também bastante original nos temas que abraça, ou, pelo menos, na maneira de mostrá-los. Ao terminarmos um filme dele, saberemos com certeza que por ali transitou o pulso firme de um competente cineasta. São dele, por exemplo, filmes como A última aventura de Robin Hood, The velvet underground, Carol e Longe do paraíso). Neste filme em que o trio de protagonistas efetivamente brilha – Julianne Moore, Charles Melton e principalmente Natalie Portman, que está maravilhosa -, vemos uma adaptação de fatos do mundo real e que chocaram os Estados Unidos, com o envolvimento de um aluno de 13 anos e sua professora de 36 anos, que acabou engravidando dele (e depois se casaram). Não é um spoiler, porque em 5 minutos de filme isso já fica claro, já que a história gira justamente em torno desse fato décadas depois e da visita à família pela atriz que fará o papel da ex-professora em um filme a ser lançado e que está ali para fazer o famoso “laboratório”, muito comum para atores e atrizes, que convivem um tempo com situações que irão personificar, não sendo tão habitual com personagens ainda vivos, mas representando esse fato uma grande oportunidade – e que terá um significado muito especial na última cena do filme -, pois a pesquisa será feita diante de quem vivenciou os fatos. Só que essa convivência, que vasculhará o passado, provocará decorrências e desdobramentos, cutucando temas já adormecidos e que poderão ser incômodos, não será um mar de rosas, havendo tensão no mínimo implícita durante todo esse curto relacionamento. Todas as sutilezas dessa relação invulgar e inesperada aparecem na tela, deixando inclusive o espectador com certo desconforto e sendo, ainda, recheadas muitas vezes de ironia em face da hipocrisia reinante. O roteiro aqui procura olhar com olhos diferentes os fatos sensacionalistas da mídia, para tanto invadindo de forma resoluta (não sem oposições) a intimidade dos personagens, que têm o seu lado subterrâneo subitamente iluminado, mesmo a contragosto. Há cenas de sair faísca, como se diz, e outras em que os diálogos são tão agudos quanto as imagens. Segredos e vaidades afloram, à medida em que Elizabeth imerge nos fatos e se insere no universo íntimo da professora, do atual marido (e que era o menino seduzido – ou sedutor?) e dos demais envolvidos (como o marido da época e os filhos), revelando também facetas ocultas de todos: a sensualidade que deliberadamente provoca da atriz, a fragilidade de um pai de família que de repente começa a questionar todo o contexto, o momento delicado da família, inclusive pela saída dos filhos e assim por diante. O filme (drama denso e, portanto, para certos gostos) tem recebido prêmios e sido indicado em premiações importantes (como Cannes 2023 e o recente Globo de Ouro, onde concorreram todos os três protagonistas e mais o filme, na categoria de Melhor comédia ou musical), cogitando-se que inclusive terá algumas nomeações para o Oscar 2024. 8,8

A SÍNDROME DO TABULEIRO CINEMATOGRÁFICO

(artigo de janeiro de 2024)

Qualquer um que contemple ou manuseie um tabuleiro de xadrez (que é o mesmo do jogo de damas), perceberá ser possível colocá-lo em duas posições diferentes: em uma delas, a casa branca ficará à direita de ambos os jogadores; na outra, a casa preta é que ocupará a posição extrema direita.

Apenas uma delas está correta.

Todos aqueles que começarem a jogar xadrez, aprenderão, desde cedo e como requisito fundamental, que para serem colocadas as peças, primeiro o tabuleiro deve estar posicionado com a casa branca à direita: se o tabuleiro for montado com a casa preta à direita, ocorrerá um absurdo, uma heresia enxadrística, uma afronta ao jogo, a seus princípios e regras e a todos os que o apreciam e exercitam. Erro crasso, como se diz por aí.

Pois bem. Não é de hoje que, mesmo como jogador médio de xadrez, observo no cinema (e até em séries de TV) uma completa desatenção com esse elemento fundamental do jogo/arte/ciência (como alguns o chamam), já tendo flagrado em diversos filmes o tabuleiro montado de forma incorreta. E o pior é que são filmes de gente famosa e acostumada à atenção aos detalhes, ao perfeccionismo, sendo muito estranho e até imperdoável um descuido de tal natureza. É como se retratassem um jogo de futebol, com 12 jogadores para cada lado.

Cito como exemplo de tabuleiro montado de forma incorreta dois filmes conhecidos, mas tem muitos mais (é só pesquisar e prestar atenção):

O SÉTIMO SELO, de 1957, é um dos mais festejados e premiados filmes do grande diretor sueco Ingmar Bergman. Sua história envolve justamente um presumivelmente experiente jogador de xadrez, que desafia a morte para uma partida. Lamentavelmente, o tabuleiro aparece invertido em uma das cenas, o que implica dizer que todas as peças estão colocadas de forma errada e que seria impossível dois jogadores, mesmo iniciantes, sequer começarem a jogar uma partida, com o tabuleiro assim disposto, quanto mais se debruçarem em uma disputa séria e aguerrida;

A DIAGONAL DE FOU, de 1984, de Richard Dembo, é um filme franco-suiço, que ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1985. Sua trama reside na disputa do campeonato mundial de xadrez por dois russos, sendo um deles o detentor do título mundial e o outro um dissidente soviético/exilado, sugerindo tratar-se de uma livre adaptação da verdadeira história protagonizada por Karpov e Korchnoi em 1978. Quando o desafiante está treinando na piscina para a segunda partida, o tabuleiro está montado também de forma invertida, o que obviamente seria impossível – e até jocoso – para um jogador de xadrez daquela estatura.

Esses fatos revelam um total desleixo dos participantes/responsáveis dos filmes – principalmente os diretores – com o xadrez e sua configuração básica, o que se agrava mais ainda pelo fato de que nos dois exemplos o jogo é justamente a base argumentativa.

Sob tal foco, principalmente para os apreciadores de xadrez, mas também para os cinéfilos mais atentos e exigentes, o descaso passa de negligência para erro praticamente indesculpável e que efetivamente retira pelo menos parte do mérito que esses filmes alcançaram. Pelo menos na visão de um apaixonado pelo cinema e pelo xadrez.

Nadal

CRITICS CHOICE AWARDS 2024 – CINEMA – vencedores

FILME

Oppenheimer

ATOR

Paul Giamatti (Os rejeitados)

ATRIZ

Emma Stone (Pobres criaturas)

ATRIZ COADJUVANTE

Da´vine Joy Randolph (Os rejeitados)

ATOR COADJUVANTE

Robert Downey Jr. (Oppenheimer)

JOVEM ATOR/ATRIZ

Dominic Sessa (Os rejeitados)

ELENCO

Oppenheimer

DIREÇÃO

Christopher Nolan (Oppenheimer)

ROTEIRO ORIGINAL

Barbie

ROTEIRO ADAPTADO

American Fiction

FOTOGRAFIA

Oppenheimer

DIREÇÃO DE ARTE

Barbie

EDIÇÃO

Oppenheimer

FIGURINO

Barbie

CABELO E MAQUIAGEM

Barbie

EFEITOS VISUAIS

Oppenheimer

COMÉDIA

Barbie

ANIMAÇÃO

Homem-aranha através do aranha-verso

FILME EM LÍNGUA ESTRANGEIRA

Anatomia de uma queda

CANÇÃO

I`m jus Ken

TRILHA SONORA

Oppenheimer

SEE HER

América Ferreira