Tendo coberto jornalisticamente a Guerra do Afeganistão e enfrentando também sérios problemas de relacionamento, o personagem interpretado por Brenton Thwaites (ator australiano, mais conhecido pela personificação de Dick Grayson na série Titans da DC comics) realiza uma pequena série de entrevistas com um homem misterioso que alega ser Deus (o excelente David Strathairn, de Boa Noite, boa sorte). A dupla entrega excelentes performances e os diálogos são realmente instigantes, polêmicos e corajosamente enfrentam questões difíceis, algumas transcendendo os tempos ao discutirem a existência ou inexistência da divindade, bem como a finalidade de tal existência diante do livre arbítrio. Diálogos rápidos, afiados, filosóficos… e circunscritos a eles – sem perder a vinculação, porém – os dramas do dia a dia, tudo despertando bastante atenção e prendendo definitivamente o espectador. Não é, talvez, uma abordagem tão aprofundada quanto poderia ser e o filme acaba fazendo algumas concessões quando se distancia do foco principal, mas sem dúvidas é uma obra subestimado, porque é muito mais interessante do que a cotação que tem recebido como média nos mais variados contextos (nota 5,7 no IMDB, por exemplo). 8,5

O filme acaba de ganhar o Critic´s Choice Awards de Melhor filme ficção/terror de 2018. E com seus méritos. A ideia é muito interessante e a realização extremamente competente, ainda mais considerando que seu idealizador e diretor também atua, como chefe da família (John Krasinski), e tendo ao lado sua esposa na vida real (Emily Blunt). Todos com ótimas performances, inclusive as crianças. Mas o forte do filme é o clima permanente de suspense e tensão. Os primeiros dez minutos já são brilhantes e a introdução deixa o espectador preparado e ansioso pelo que haverá de vir. E impressiona, de fato, que um roteiro simples e um filme sem diálogos consiga envolver o espectador dessa forma. Trata-se de um mundo depois do apocalipse, invadido por seres cegos e que atacam violentamente quando percebem emissões de som. Do meio para o final, quando aumenta a tensão, resplandece a qualidade do som e a trilha sonora passa a ser espetacular, imprescindível, elevando suspense ao máximo patamar, inclusive de forma quase insuportável em algumas cenas. Dentro do gênero (ficção/suspense/terror), realmente um filmaço e para os mais medrosos um excelente teste para os nervos.  8,8

Em um belo trabalho de reconstituição de época, iluminação e fotografia, brilha o trio Olivia Colman, Emma Stone e Rachel Weisz, com os personagens das duas últimas mostrando esforços para ganhar o favoritismo da rainha Ana (interpretada pela primeira), ao mesmo tempo em que a soberana, instável emocionalmente, doente de corpo e com cara de permanente enfastio, exercia o comando absoluto do reino poderoso da Inglaterra do século 18, colocando sob sua autoridade os estrategistas, os sensatos, enfim todos os súditos, cujo dever de obediência era indeclinável, embora oscilando as ordens conforme o humor real e por isso mesmo colocando muitas vezes em risco a ordem vigente e as relações de paz, guerra, conquistas e defesa. O filme lembra um ou outro de época de sucesso, pelo permanente clima de sedução e intriga (muito valorizado pela trilha sonora), mas aqui com interesses pessoais diferentes dos da mera vaidade, em um jogo estratégico cuidadosamente elaborado. Há, porém, não apenas o retrato da opulência da Corte, mas muitas críticas/humor negro e sutilezas, as quais inclusive se revelam pelos próprios ângulos de câmera e as lentes utilizadas sob comando do excelente e geralmente não-convencional diretor grego Yórgos Lánthimos (O lagosta, O sacrifício do cervo sagrado). As três atrizes foram indicadas ao Globo de Ouro, tendo Olívia Colman vencido na categoria de Melhor atriz em Comédia ou Musical. Além disso, o filme também foi indicado nas categorias de Melhor Comédia ou Musical e Melhor Roteiro de Comédia ou Musical. Durante os créditos finais uma surpresa: Skyline Pigeon de Elton John executada com um belíssimo e inusitado arranjo medieval.  8,8

Esta é uma comédia romântica de ritmo perfeito, muito colorido, alegria, músicas, juventude, costumes ocidentais e orientais em exibição e conflito, com direção e elenco afinado e um estilo que vai entreter jovens e adultos, muito parecido com filmes como Quatro casamentos e um funeral, só que com as vestes da modernidade. Tanto do som, da música, das cores e dos costumes, quanto da comparação do mundo ocidental com o oriental em ascensão, o que faz desfilarem na tela imagens belíssimas da ostentação dos ricos e poderosos de Singapura, simbolizando o crescimento do poder sócio-econômico da Ásia sobre a América e o resto do mundo. Os costumes, aliás, são amiúde objeto de cenas e situações dramáticas, no fundo aparecendo as intenções legítimas e inocentes do par romântico central, em torno do qual gravitam interesses altamente relevantes. É um estilo de filme para deixar o espectador alegre, leve e um pouco emocionado com algumas cenas. Uma delas, belíssima, é a do casamento, pelo conjunto da linda música tocada ao violão (Can´t help falling in love, por Kina Grannis) e das imagens, inclusive inesperadas da cerimônia. A cena final é um deslumbre e confirma a pujança do Oriente moderno, embora o filme deixe claro que acima disso tudo estão os valores do coração. Um filme que vai do bobinho (inclusive as primeiras cenas da amiga asiática são ridículas) e do banal até uma realidade inegável e que cresce bastante do meio para o final, consistindo em ótima diversão, a tal ponto de ser indicado ao Globo de Ouro de Melhor Filme Musical ou Comédia. O elenco – basicamente composto por asiáticos –  é muito bom, com destaque para a atriz Constance Wu. 8,0

A simples menção de se tratar de uma obra dos Irmãos Coen significa ao mesmo tempo várias qualidades: roteiro criativo, inteligente, produção impecável, fotografia primorosa e ângulos diferentes, trilha sonora perfeita, tudo muito bem cuidado, originalidade e surpresas. Bom gosto, embora em geral com muita ironia fina inserida no contexto. Aqui, o título do filme é o do livro no qual se baseou e dá nome à primeira de várias histórias dos tempos do faroeste, que vão sendo contadas cada uma com um olhar particular, em uma bela reconstituição de época, valorizada pelas paisagens deslumbrantes do velho oeste. Contudo, em que pesem os elogios acima, alguns histórias pecam pela demora na resolução e na insistência dos temas filosóficos. Pode ser que nos tempos do western os fatos ocorressem assim, com tal mornidão, mas muitos momentos ficam enfadonhos e o filme se torna cansativo em vários episódios. Em resumo, a categoria dos Irmãos está presente em cada cena e se trata de um filme acima da média e com ideias boas, algumas inovadoras. Entretanto, o resultado de algumas histórias não é o esperado e obviamente esse fato prejudica um pouco o todo. Mesmo assim, um filme apenas bom dessa dupla já é superlativo à média que anda por aí e por esse motivoa obra merece ser conferida.  8,3

Um grata surpresa, um filme realmente diferenciado dentro do gênero. Um faroeste que se passa no Oregon e na Califórnia, na virada do século 19 para o século 20, mas que aprofunda especialmente os personagens e enfoca nos detalhes, o que resulta na perfeita sintonia dos elementos: roteiro, fotografia, direção, elenco, trilha sonora (excelente e em alguns momentos bastante original). O diretor é o francês Jacques Audiard (Dheepan, Ferrugem e Osso, O profeta…), que elabora uma fabulosa reconstituição de época, na qual o progresso se mesclava à selvageria do Velho Oeste (a escova de dentes ganhou seu destaque, junto com a química), com o crescimento das cidades e da civilização, embora ainda bastante exigida do homem uma extraordinária capacidade de sobrevivência, inclusive em meio à corrida do ouro da Califórnia, que levou muitos à riqueza, mas outros à bancarrota ou à morte. Os dois irmãos “Sisters” são magnificamente interpretados pelos versáteis John C. Reilly e Joaquin Phoenix, havendo ainda no elenco Jack Gyllenhaal, Riz Ahmed e Rutger Hauer. O andamento é lento, mas o filme vai ficando cada vez mais forte e nunca perde o notável equilíbrio e a coerência do tema, que além de pontificar um precioso sentido de união entre irmãos, ressalta o que, afinal, parece ser o verdadeiro significado de toda a busca, na simplicidade do retorno à paz e ao aconchego.   9,0

Este filme está recebendo prêmios e várias indicações e tem o mérito da direção de Spike Lee e de enfrentar de peito aberto um tema bastante delicado para os americanos: o ódio racial (a primeira cena é impactante e bastante corajosa). E o faz mostrando com tons de drama e comédia um fato real – embora bastante improvável – ocorrido em 1978: um dos raros policiais negros da época (do Colorado) conseguindo se infiltrar no universo da Ku-Klux-Klan. Daí em diante, diversas facetas da época são mostradas, inclusive com o tom de crítica às ideias racistas, o que acentua a importância do roteiro. O filme é às vezes leve, outras vezes denso, tem um bom ritmo, mas tirando essas feridas não cicatrizadas que o cinema americano teima e precisa amargar de tempos em tempos, trata-se apenas de um bom filme. Nada além disso: um filme bem feito e com boas qualidades. Muito longe de ter o mérito dos vários prêmios a que vem sendo indicado, mas a máquina de Hollywood não pode ser desprezada e quando ela resolve eleger seus favoritos, o melhor é ficar atento. Ainda mais quando o diretor tem o currículo de Spike.  8,0

Como é bom ver o talento em ação! Como é prazeroso apreciar a atuação de um elenco magistral e se deleitar com os momentos que tal performance propicia! Ao constatar os três nomes que comandam o filme, o cinéfilo já poderá antecipar grandes momentos dramáticos, afinal não é comum reunirem-se Penélope Cruz, Javier Bardem e Ricardo Darín em um mesmo filme. E não há qualquer decepção, pois se trata efetivamente de um belo filme. Sob a batuta do premiado diretor iraniano Asghar Farhadi (A separação, O apartamento…), este drama espanhol abriu o Festival de Cannes de 2018 e foi indicado a dezenas de prêmios, trazendo além do excelente desempenho de todo o elenco, uma história pontuada por fatos de alta carga dramática e emocional: a partir de um acontecimento gravíssimo e que remexe com toda a família e com os que a cercam, eclodem conflitos familiares, segredos se revelam, dúvidas e mentiras aparecem e muito suspense (inclusive psicológico) e mistério toma conta do enredo, seguindo caminhos de um romance policial investigativo. O roteiro é ótimo e apresenta momentos de grande emoção, que realmente exigem dos atores e atrizes o máximo de sua arte. Foi filmado na Espanha.  9,0

Este filme é algo raro e vem sendo premiado por onde passa. Talvez acabe sendo realmente uma obra marcante na história do cinema, mas de todo modo os prêmios têm razão de ser. Deve ser destacado, primeiramente, que foi filmado em preto e branco, talvez para acentuar seu caráter autobiográfico, pois enfoca a vida familiar do diretor Alfonso Cuarón (o mesmo de Gravidade) ou, quem sabe, para enaltecer o próprio passado, pois os fatos ocorrem na década de 70 no México, época de turbulências e, claro, como sempre das desigualdades sociais, uma das temáticas do filme. O título se refere ao nome do bairro onde viveu a família do diretor (Colônia Roma), uma família de certas posses e que é mostrada em seu cotidiano, incluindo os pequenos dramas conjugais e seus reflexos. Pensando bem, talvez Cuarón tenha imaginado criar sua própria Roma, como Fellini o fez, afinal o diretor italiano era pródigo em filmar histórias autobiográficas…Mas, em segundo lugar, o importante é o paralelo da história da família com os dramas da empregada/babá Cleo, que tem sua rotina e intimidade radiografadas pelo roteiro, mostrando tanto os conflitos de classes, como o próprio modo de viver da classe pobre no país de paradoxos. Cleo é brilhantemente interpretada pela estreante Yalitza Aparício e o filme deverá ganhar o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, sem dúvida alguma. Em terceiro lugar, mas não menos importante e certamente o que torna o filme um grande destaque e nos provoca total deslumbramento o tempo todo: a fotografia! Cuarón não apenas escreveu, produziu, roteirizou e dirigiu o filme, como também foi o mestre realizador de uma fotografia absolutamente magnífica e que é destaque absoluto da produção. Há cenas que parecem pinturas e uma especialmente na parte final do filme é uma obra de arte pictórica. Aliás, a cena da praia (a do cartaz do filme) é uma das memoráveis do filme, não só pela imagem em si, mas também pelo significado dentro do contexto. O diretor é muito inteligente e sensível, sabe colocar sutilezas e até surpreender e construiu momentos inesquecíveis em uma obra coesa, enxuta e que mostra um painel humano e histórico com grande profundidade e impacto (as cenas da matança dos estudantes de 10 de junho de 1971 – o Massacre de Corpus Christi ou Halconazo – e a cena do parto são difíceis de esquecer). 9,0