Este é um daqueles filmes que trazem variadas emoções e que nos dão a sensação de minissérie (até poderia ser uma, por exemplo, com 9 episódios de 20min cada), pois abordam fatos dramáticos através da história (a Segunda Guerra, as duas Alemanhas…), e vamos acompanhando o destino das pessoas ao longo de vários anos, como uma verdadeira saga. E no seu final sentimos uma intensa emoção e que perdura por um bom tempo ainda, como se vivenciássemos nossa própria história, sendo essa uma característica típica das minisséries. E esse, por paradoxal, é justamente um de seus poucos defeitos, porque há alguns fatos que mereceriam um maior aprofundamento, o que nas minisséries não ocorre. E além disso há um outro problema, a meu ver, que é o desempenho apenas regular do ator Tom Shilling em um papel que se interpretado por um ótimo ator certamente faria o filme crescer bastante em intensidade dramática. Inclusive também não é ideal a química entre o personagem dele e o da parceira. Mas o restante do elenco é ótimo, a começar pela bela Saskia Rosendahl, que a partir do início do filme e de cenas memoráveis (a primeira, já no museu, com o guia discursando sobre a inutilidade da arte moderna – depois a da buzina dos ônibus e a da nudez e da nota Lá no piano) já prenuncia sua importância para toda a história, projetando sua presença com profundo significado em diversos momentos até o emocionante final. Muito boa atriz também a igualmente bonita Paula Beer (que fez Franz), mas o destaque maior fica por conta do ator Sebastian Koch, que faz com maestria o implacável e gélido médico da SS, cuja caneta tem o poder de determinar o extermínio de pacientes. Aliás, a cena da escrita em vermelho é uma das várias impactantes do filme, belo também na fotografia e na trilha sonora. São vários momentos ao longo da história que afetam o espectador, mostrando a destruição das pessoas, das cidades, das famílias, das esperanças, ao longo dos horrores da guerra e do domínio nazista, bem como de cenas importantes também sob outros aspectos, no caso vinculados à arte: a invasão aérea de Dresden, a paciente sendo levada à força para ser esterilizada, o aborto, o parto, o discurso do professor no ateliê do aluno em busca do caminho artístico, os discursos sobre a arte, a criação do estilo, afinal, pelo jovem pintor, a do médico enfrentando as pinturas e seu significado, a entrevista ao final, na qual o criador nega qualquer vínculo com a criatura, embora o espectador se emocione por saber da verdade. Pelos defeitos já citados, não é um filme totalmente arrebatador; mas pelas qualidades, igualmente descritas, é uma bela “viagem” pelos dramas humanos e de guerra. Dirigido pelo grande Florian Henckel von Donnersmarck (que dirigiu o magnífico A vida dos outros e é grande também na altura, com 2,05m), o filme concorreu no Festival de Veneza e foi escolhido para representar a Alemanha no Oscar 2019.  9,0

Um filme para adultos, tanto pelo erotismo, quanto pela temática, conduzido pelo original diretor Paolo Sorrentino (La Giovinezza, The Young pope…), que conta, como trunfo, com seu ator favorito, o brilhante Toni Servillo (A garota da névoa, Viva la libertá). Ambos já fizeram antes ótimos trabalhos, com destaque para As confissões e principalmente para o premiado A grande beleza. Aqui, em meio a festas e mansões milionárias, música, danças coreográficas, drogas e sexo, pessoas aparentemente bem sucedidas e felizes, com pleno acesso às coisas boas da vida, parecem exuberantes e donas de um sucesso incontestável. Entretanto, a fina ironia e o cinismo do diretor parecem emoldurar os fatos, como crítica social e para mostrar em parte a decadência dos costumes, da juventude e da própria sociedade italiana. E o personagem central ainda é o polêmico e controvertido empresário, político e bilionário Sílvio Berlusconi, milanês que em diversos períodos foi Primeiro Ministro Italiano. Tony está extraordinário no papel do personagem de várias facetas (e o ator faz um segundo papel também, que cabe ao espectador descobrir na hora), revelando-o ambicioso, pitoresco, manipulador, carismático, vaidoso, poderoso e fanfarrão, sendo notável a cena em que ele canta à beira da piscina, sob a atenção de todos os convidados, a música “Malafemmena”. O filme não é tão bom quanto os anteriores citados, mas os toques personalíssimos do diretor mantém vivas e estimulantes as suas marcas de originalidade, além de alguns diálogos bastante afiados e perturbadores, como o do personagem central com uma jovem de 20 anos, que expõe o que pensa da diferença de idades e da aproximação que ele impõe, de modo firme mas delicado definindo a situação como patética e o hálito dele como o de um velho. A fotografia e a trilha sonora também são grandes destaques neste filme que emerge como um cinema moderno, mas que ao mesmo tempo parece homenagear grandes mestres do cinema italiano. Sorrentino já está entre os grandes cineastas da modernidade, pelo fascínio e verdade que consegue transmitir e escancarar. 8,7

Um drama/comédia diferente, envolvendo um pintor temperamental e já em fase decadente e seu amigo e dono de galeria, disposto a ajudar o protegido, mas sem muita certeza dos caminhos a tomar para valorizar as obras que no passado muito dinheiro renderam. O pintor Renzo, interpretado por Luis Brandoni (ator argentino de teatro, cinema e TV) está muito bem caracterizado em seu temperamento rústico, suas manias e explosões artísticas e o marchand Arturo da mesma forma, por Guillermo Francella (igualmente argentino, ator e comediante), em seu comportamento elegante, requintado mas às vezes duvidoso. O filme tem surpresas, de certa forma alfineta o mundo da arte e cria curiosidade pelo seu desenlace, que pode até ser considerado surpreendente, mais ainda pela crítica social, absolutamente ácida e atual, de seu desfecho. Sem compromissos maiores além disso, mas divertido e interessante, é dirigido pelo ótimo Gastón Dupra, que ganhou o Goya de 2017 pelo filme Um cidadão ilustre.   7,8

Este é um produto a mais da marca Netflix, empresa que fatura mais de 500 milhões de dólares por mês, produzindo e promovendo filmes e séries em profusão, de tal maneira que está praticamente monopolizando o mercado. E é um filme de qualidade, tendo Kevin Costner como seu principal protagonista (no papel de Frank Hamer, o mais famoso dos Texas Rangers) e também produtor executivo. O diretor é John Lee Hancock (Walt nos bastidores de Mary Poppins, Um sonho possível, Um mundo perfeito) e o parceiro de Kevin é Woody Harrelson, que faz o contraponto da seriedade, com algumas “tiradas” a título de alívio cômico (embora eu não goste muito dessas “piadinhas” em filme dito sério). Tem também Kathy Bates, para lembrar que o governo sempre é quem leva a fama, mas aparece pouco. Mas a atração mesmo são os dois “cobras” do elenco, embora a direção seja ótima, oferecendo um filme enxuto e sem excessos: fica claro que a experiência dos ex-Rangers, embora tidos como aposentados, consistia em uma vantagem sobre toda a força policial que estava atrás da famosa dupla de bandidos apaixonados, Bonnie e Clyde, que já viraram filme antes, mas não sob o foco dos perseguidores, com aqui. E assim vemos um filme investigativo, em que uma caça lenta e através dos Estados americanos é deflagrada, mas sem a certeza absoluta de se conseguir emboscar os foragidos, que parecem quase “fantasmas” nos jogos de gato e rato com a polícia. Aqui, felizmente, a ficção se apoia totalmente na realidade, tendo sido feito um ótimo trabalho de pesquisa e de reconstituição de época. Bonnie e Clyde de fato existiram e fizeram o terror da polícia nos idos de 1931 a 1934, quando finalmente foram mortos. E tinham legiões de fãs entre a população (20.000 pessoas foram ao velório de cada um), sendo tidos como uma espécie de Robin Wood, que rouba dos ricos (os Bancos) para vingar os pobres (o povo, roubado pelos Bancos) – aspecto que obviamente aumentava a fama e dificultava a localização da quadrilha.  Algumas características do casal também foram fielmente transpostas para a tela, como o apego à literatura e à poesia de Bonnie, o cigarro fumado por Clyde etc. Para quem sabe em qual Estado americano aconteceu a derrocada final, porém, o filme deixa de ser surpresa no final, mas só nesse ponto e embora já seja fácil imaginar o desenlace dos fatos. Obviamente a história do casal foi um pouco romantizada, porque tudo nos EUA pode virar lenda: todavia, o filme procura mostrar os fatos de modo fidedigno, inclusive exibindo fotos e reportagens autênticos nos créditos finais, para demonstrar a verossimilhança: a carta escrita por Clyde a Henry Ford, elogiando a qualidade do V8 que utilizava, realmente ocorreu. Chocante também é constatar o medo que a dupla inspirou ao longo dos anos e a amplitude atingida pela “lenda”, pela forma em que se deu a morte do casal: pelo número de policiais envolvidos e de balas disparadas, um verdadeiro absurdo, sendo que a esse respeito, no final, a própria atitude dos dois policiais demonstrou que realmente se tratou de um excesso, quase uma covardia. Um filme interessante, com alguns estereótipos aos quais os americanos não resistem (como, por exemplo, “todos os tiras são imbecis, menos os nossos heróis”), mas que não comprometem o conjunto, que, afinal, mostra uma realidade, valorizada por uma jornada instigante e bem construída. 8,0

Primeiro filme do diretor argentino Hernán Guerschuny, aborda interessantes situações por que acaba passando um crítico de cinema renomado porém cético, com jeito de mal humorado e que vive uma vida pessoal reservada. O destino acaba envolvendo o personagem em um roteiro daqueles que ele mesmo costuma desprezar e o diretor mostra os fatos com bastante competência e humor, parodiando inclusive diversas obras conhecidas e de sucesso. A atriz Dolores Fonzi é excelente e carismática e sua presença dá um colorido especial ao filme, que assume vários tons de romantismo, embora o sisudo personagem masculino acabe surpreendentemente despertando no público também uma sincera simpatia (Rafael Spregelburd). Na verdade, o filme apresenta o mundo de clichês, dos quais alguns tentam fugir, mas que são indeclináveis, embora ao mesmo tempo aborde superficialmente alguns elementos a mais, envolvendo o próprio cinema e a vida dos que o criticam. Nada muito além disso, mas algo digerível e divertido e que foi o vencedor do prêmio da crítica do Festival  de Gramado de 2014.  7,8

Os filmes de Clint Eastwood (um dos meus diretores prediletos) são muito equilibrados em todos os seus elementos. Depois que chegou a determinada fase da carreira e resolveu ser diretor, o eterno cowboy de alguns clássicos do western (Por um punhado de dólares, Cavaleiro Solitário, Os imperdoáveis…) demonstrou inegável competência na nova função, dirigindo, entre muitos outros, As pontes de Madison, Gran Torino, Menina de Ouro, Sniper americano, Cartas de Iwo Jima, Além da vida, The Jersey boys. E sempre com qualidade, com a dosagem certa de drama, suspense, lirismo, emoção, acompanhados de ótima trilha, edição, fotografia etc. Aqui a história não é sofisticada, mas simples, baseada em nota de jornal (situação inusitada envolvendo os atravessadores de drogas – geralmente para os cartéis -, o que justifica o título) e repetindo situações já vistas em outros filmes. Os diferenciais, porém, são dois: primeiro a maneira diferenciada de ser contada a história (a precisão, as nuances certas…), impregnada pelo talento e pela sensibilidade do diretor; e segundo, pela presença do próprio Clint, uma figura carismática e que ainda mantém intocável, apesar da idade (que ele assume no papel que faz), o velho charme que sempre o caracterizou como o sujeito durão, mas de caráter e bom coração (no caso, com doses reforçadas de remorsos…), o que torna o filme realmente especial. Ainda com a participação de Bradley Cooper, Laurence Fishburne, Dianne Wiest, Andy Garcia e Alison Eastwood (filha do cineasta no filme e na vida real), entre outros, este drama em tons de comédia diverte e emociona sem cair na vulgaridade ou no excesso.  8,8

Um belo e emocionante filme (adaptado de famosa obra literária) e com relevante conteúdo histórico. Porque quem assiste a ele mergulha nos fatos envolvendo a Guerra Fria, a política e os regimes vigentes no mundo e especialmente nas Alemanhas Oriental e Ocidental do pós-guerra – década de 50 (especificamente em 1956 -, em época que precede em cinco anos a construção do Muro de Berlim). O filme trata de ideologias, do livre-pensar, da coragem, da juventude e de seu desejo e ímpeto de mudar o mundo, de questões morais profundas, de passados secretos, mencionando em parte importante a contrarrevolução húngara contra o domínio soviético…e se baseia em acontecimentos reais. A partir de um episódio específico em sala de aula é que acabamos entrando nesse universo, extremamente valorizado pelos ótimos roteiro e trabalho de direção (Lars Kraume), edição e elenco. Mas a trilha sonora e a fotografia são também muito bons. Curiosamente o referido episódio tem relação (embora forjada) com o famoso jogador húngaro Puskas, considerado um dos melhores da história do futebol e comandante do  esquadrão da Hungria de 1954 (na Copa da Alemanha). Um drama forte, repleto de situações tensas e emotivas, com um ou outro momento novelesco (inclusive um específico, “plagiado” do cinema americano), mas que acaba não comprometendo a qualidade final. No epílogo, ficam estranhas sensações de vazio no ar, mas também a certeza de que às vezes certos fatos e atitudes acabam, frustradamente, não representando revolução política alguma: mas deixam marcas inesquecíveis e traçam fronteiras concretas – revolução nas mentalidades e conceitos – para que vidas novas sejam experimentadas. 9,0

Este é um filme de ficção científica para adultos.  E surpresa: é sérvio! Um cinema que às vezes causa alvoroço. Acho que quem tiver paciência para saborear o filme até o fim, será devidamente recompensado. Mas cabe a advertência: é um filme de orçamento de 1 milhão de dólares, com dois personagens, cenário restrito à nave espacial, lento, repleto de sombras e efeitos coloridos…em suma, vai gostar quem com ele se identificar, os demais correndo o risco de achar tudo um tédio. Mas eu gostei demais! Fiquei emocionado, tenso, encantado com o roteiro e na derradeira cena, quando a câmera vai mudando o ângulo da visão da nave, minha vontade foi de aplaudir. E a trilha sonora achei espetacular, fora a história, que realmente testa os limites da natureza humana, conforme anuncia o cartaz. O tema, aliás, até lembra duas produções mais ou menos recentes: Ela e Ex machina, mas aqui são outros quinhentos e o roteiro é baseado em obra literária. Mas pela qualidade e temática, até se poderia imaginar tratar-se de um episódio da série Black Mirror. A viagem no caso é para Alfa Centauro, com apenas dois tripulantes: um macho humano (Sebastian Cavazza, ator esloveno) e uma fêmea androide (Stoya, atriz americana de filmes pornôs). E os desafios e limites que vão aparecendo nessa estranha relação desafiam a natureza do homem, fazendo emergir de forma inesperada desejos e anseios imprevisíveis. Como inesgotáveis parecem também os conceitos cibernéticos. O filme explora com grande sensualidade, sensibilidade e talento as possibilidades e expectativas da interação homem-máquina, inclusive sob a perspectiva da solidão, dos sentimentos humanos e dos instintos puros e selvagens da paixão. Do amor, por que não? Uma experiência rica, inclusive pela capacidade do diretor sérvio Lazar Bodroza (estreando) de jamais cair na vulgaridade. Vivenciamos o desespero para humanizar o que não é humano – para o homem é insuportável a falta de humanidade no androide – e a escravidão que a paixão e o amor podem proporcionar, trazendo o desenrolar do filme vários questionamentos interessantes e a partir de certa parte os fatos ficam bastante difíceis de prever. O final poderá lembrar obras imortais do cinema e da literatura, mas antes o espectador poderá perguntar até onde tudo será suportável? De quanta humanidade, afinal, o amor necessita para ser amor?  9,0

Um drama doloroso de ver, porque aborda fatos que acontecem em nossa realidade, que são difíceis de resolver socialmente e aqui mostrados de uma maneira bastante realista pelos efeitos que provocam nas famílias. Um ótimo filme graças à competente direção de Peter Hedges e também à interpretação de Lucas Hedges (filho do diretor) e principalmente de Julia Roberts, que dá um show de talento como atriz, porque bastante difícil o seu papel neste filme (efetivamente uma atriz madura e que aceita grandes desafios). O amor incondicional da mãe, os problemas do filho para ficar livre das drogas, fatos que ocorrem à nossa volta e que vemos retratados todos os dias nos jornais. Só que a dose de realismo aqui é muito bem colocada e o filme tem o mérito de não tomar partido, apenas mostrando as dificuldades e o contexto do submundo dos drogados e do comércio. Mostra também – e bastante – os efeitos nas relações familiares do doente que tenta se recuperar, mas que encontra as dificuldades naturais, não só da própria droga, mas do meio em que vive. Mérito do filme, as informações a respeito do passado do personagem vão sendo construídas aos poucos, pelas ligações que teve (e que vamos acompanhando) e pelas consequências que seus atos provocaram. Um filme difícil de assistir justamente pelo mérito que tem, que é o de trazer um tema complexo, assim como nada simples é a sua solução, o que justifica plenamente o conteúdo da última e adequada cena.  8,0

Na realidade o filme tem como base acontecimentos graves passados, mas é como se fosse um mero drama policial de ficção. Mas não é comum. Primeiro, porque é dinamarquês, um cinema que tem se notabilizado através dos anos por ótimas produções, principalmente no gênero, um policial que mantém o suspense o tempo todo: um thriller, portanto, mas com um formato totalmente diferente do cinema ianque. Segundo, porque, embora a trama vista no papel seja até corriqueira, está inserida em um filme da série do Departamento Q (setor da polícia encarregado de causas tidas como perdidas ou encerradas), o que significa qualidade e densidade, tendo como fatores principais os seus personagens. A personalidade de cada um é muito bem desenvolvida e aprofundada e esse elemento é o que dá a tônica do filme e o singulariza, valorizando-o também e colocando-o bem acima da média das produções concorrentes. E terceiro, porque também foi baseado em obra literária de grande sucesso na Dinamarca, sendo o quarto filme da série. Foram filmes anteriores, retratando os dramas do mesmo setor da polícia dinamarquesa e os mesmos agentes: Departamento Q – O guardião das causas perdidas, O ausente e Uma conspiração de fé. Todos com o mesmo tipo de atração, inclusive pelo personagem muito bem construído do detetive Carl Mork, circunspecto, solitário, meio neurótico e de seu colega quase totalmente oposto. Fotografia, trilha e direção ótimos também compensam qualquer lugar comum.  8,0